舞蹈与音乐就像是以不同载体呈现艺术无形的律动与张力，丞舞制作团队B.DANCE艺术总监暨编舞家蔡博丞，与古典及跨界小提琴家Eva Lee李易，在表演艺术的光谱上自在交流，尝试在韵律与音符、东方与西方的时间轴上找寻艺术文化的新定位。
现场演出的集体共感与从内而外的感动，是舞蹈与音乐表演令人着迷的魔力，在音乐家对创作和表演充满热情的眼眸里、在舞蹈家对社会与人性的敏锐观察中，都是他们对世界献上的悉心问候。
音乐与舞蹈的相通之处?
蔡博丞：表演艺术没有任何捷径，能成就台上那个完美时刻的就是时间，只有时间可以淬链出你在台上的模样。我觉得舞蹈跟音乐背後所下的苦工只有自己知道，但在台上只要一出错就白费了，而我们是人不是机器，这件事情不可能完美、一定会犯错，如何把犯错也变成是表演的一环，更需要经验与训练。而观众们看完演出所要带走的感动，就是舞蹈与音乐非常接近的地方。
Eva Lee李易：我觉得舞蹈跟音乐是相辅相成的存在，因为单纯的舞蹈是有形而无声的，单纯的音乐是有声而无形的，所以当这两个艺术的形体融合在一起，能带给整个表演更多灵魂，也更加完整。
「自由、大胆、创意、前卫、现代」之於创作的意义？
蔡博丞：对我来说相当有意义的是自由，如果一个艺术工作者没有保持自由状态的话，会很难界定自己作品的质调在哪。我们透过不同的物件找到不同介质，再透过我们的方法转化这些介质并投射给观众，也希望他们可以在我们身上得到这些精神。
从舞者退到编舞家角色的过程，我一直都觉得创作是无边无际的汪洋，而前卫、现代之类都是这片汪洋中的介质与元素，身为创作者就是在其中撒网，看看能够捕捉、发觉、挖到什麽样的灵感，若套用在生活上就是「生活就是艺术，艺术就是生活」，比如说我们现在采访时的姿态也可以很像是跳舞，所以当我们把生活活得很精致、精美的时候，好像也实践了这几个精神。
Eva Lee李易：我现在的音乐表演分成跨界和古典两条线并行，跨界着重的是当代性和原创性，古典则是经典再现，为什麽古典的曲子经过好几百年还是一直演出？就是因为每个人都有自己的诠释方式，也跟上述精神有点相像，像是香奈儿带给时尚产业永恒的经典指标性，但同时也不断创新和跨界、跳脱以往的既定印象，不只满足於经典，也突破自己。
深刻的演出经验？
蔡博丞：亚洲的观众情绪张力比较保守，但欧美观众就是会很直接告诉你他的喜欢，甚至是在出入口堵你、希望能给你一个拥抱、跟你说谢谢。过去带着因小灯泡事件而创作的作品〈RAGE〉去法国亚维农演出时，就发现它的渲染力，那次演出结束後，现场有一对夫妻在原地哭泣，清场时我跟他们简单谈话，在知道我是编舞者後，那位先生深深抱了我一下，前一年他的女儿就在他面前发生事故，而表演最後一幕让他想到他女儿发生事故时的形状。因为我们的表演是希望把伤痛化为阳光、把悲伤化为玫瑰花送给每颗破碎的心，他觉得有收到这朵花也被抚慰了，并与我们说谢谢。到现在我都还觉得非常感动，也觉得身为一个创作者很值得，因为你的作品跟社会有对话、与人有连结。
我觉得创作本身要带一点社会责任，人人都可以创作，但如果每个人都只是在做自己喜欢的创作，会跟社会有些脱节；但如果能利用我们的能力再加上社会需要被传达的讯息，才能成为艺术被留下来。
Eva Lee李易：身为创作者跟表演者，当你接收到观众的讯息，知道你的音乐、舞蹈可以感动他的时候，就是我们存在的意义。演出要感动人不是只有技巧，还要融合很多自身生命经验与情感。我印象很深刻是在伦敦，在犹太教教堂的活动演出，他们邀请我演奏我自己也很喜欢的电影《辛德勒的名单》中的曲子，我在台上表演的时候，比较年长的犹太教徒都哭了，演出结束他们都来跟我说这首歌对他们的意义很大、非常触动到他们的心。对表演者来说，我觉得你在演奏一首跟观众有关联的曲子时，也会与自己产生很大共鸣。我的创作分为自我心情写照与和社会有关的，我认为这样的作品才能够深入人心，像是我表演的时候很喜欢加入我在伦敦创作的〈为明日而战〉（Fight For Tomorrow），这首歌在讲我当时低潮、忧郁的心情，创作对我来说是抒发也是鼓励，希望所有听到这首歌的观众都能有再站起来的勇气。
蔡博丞
编舞家，於2014年成立「丞舞制作团队 B.Dance」并担任艺术总监，其作品擅长融入人生体悟与社会观察，2018年获德国《Tanz》杂志评为最有潜力青年编舞家之一，2020年获法国表演艺术专业评论协会评为年度最具前瞻性编舞家。
Eva Lee李易
古典及跨界小提琴家，伦敦皇家音乐学院（Royal Academy of Music）硕士，曾多次与国际级指挥家和乐团合作，除了古典小提琴家的身分外，她也热爱跨界音乐的表演风格，并致力於音乐教育。
文｜冯兴妍
摄影｜Kuo Huan Kao、Wen Jun Fu
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